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Balaustrada Antepecho o baranda formada por columnas pequeñas de silueta muy perfilada.

Baldaquino Cubierta firme a modo de pabellón que sirve para realzar y al mismo tiempo para enmarcar un altar, púlpito, tumba o estatua.

Banda lombarda Una faja mural, vertical y poco saliente del muro, sin basa ni capitel (a diferencia de la pilastra), cuya función es la de estructurar los muros. En el románico, unidas frecuentemente por arcos de medio punto.

Bárjola Galea, Juan.

Pintor extremeño, nacido en Torre de Miguel Sesmero (Badajoz), en 1919. Su actividad artística se inició desde su niñez, en el medio rural de su pueblo, con la ejecución de sus primeros dibujos inspirados en tipos y motivos locales, evidenciando desde muy pequeño sus dotes artísticas.

Se traslada a los quince años a Badajoz para estudiar en la Escuela de Artes y Oficios y más tarde, con veinticuatro años, marcha a Madrid para perfeccionarse en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando al tiempo que hace frecuentes visitas al Museo del Prado.

Desde 1957, año de su primera exposición en la Galería Abril de Madrid, adquiere fama y prestigio como uno de los pintores destacados de la pintura contemporánea española. Desde entonces reside en Madrid y ha obtenido múltiples medallas, premios (en 1985 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas), condecoraciones en los certámenes a los que se ha presentado, actividad que ha simultaneado con frecuentes visitas al extranjero, especialmente para estudiar algunos pintores expresionistas (Ensor, Bacon…) en París y en Bélgica a partir de la obtención de una beca de la Fundación Juan March. De otro lado, su obra ha recibido notables influencias de Goya, especialmente en la serie de lienzos y litografías dedicadas al mundo de los toros.

Su matrimonio en 1946 con una asturiana hizo posible que años más tarde, merced a la relación del pintor con esta región, se estableciese un museo monográfico dedicado a su obra en la ciudad de Gijón, que reúne la mayor parte de su producción.

Este pintor se encuadra dentro del “expresionismo representativo” aunque en algún momento evidencia influencias claras del cubismo; en su obra se debe destacar la importancia del color en las composiciones con predominio de tonos oscuros y apagados, además de la recurrencia a temas que expresan situaciones extremas o conflictivas, como las violencia, la denuncia social o la realidad más estridente, figurando entre sus cuadros imágenes de perreras, jueces, mataderos, cárceles, fusilamientos, etc.

Baptisterio Pila bautismal. Edificio donde está la pila bautismal; a partir del siglo III como edificio independiente o adosado a las iglesias y catedrales. Suelen ser de planta centralizada y con la pila bautismal en el centro.

Baquetones Molduras de sección semicircular de tres cuartos o cuarto de círculo, especialmente frecuentes en el románico.

Basílica En la antigüedad romana se relacionaba con construcciones públicas donde se constituía el tribunal de justicia o se realizaban negocios y contrataciones. Más tarde el nombre se extendió a un género determinado de iglesias paleocristianas. Su forma básica está constituida por n cuerpo central rectangular más alto y ancho (nave central), acompañado por dos o más cuerpos más bajos (naves laterales), separadas de la nave central por filas de columnas. La iluminación procede del ventanal superior de la nave central.

Bernini, Gian Lorenzo

  Arquitecto, escultor y pintor barroco italiano (Nápoles 1598-Roma 1680), quizás la figura más grande del arte barroco de la primera mitad del siglo.

Creador del barroco monumental y decorativo, Bernini, despliega sus capacidades sobre todo en la arquitectura, el urbanismo y la escultura. Prácticamente toda su labor se desarrolla en Roma y al servicio de los Papas. El cardenal Barberini, que posteriormente fue el papa Urbano VII (1623), le tomó a su servicio, favor del que siguió disfrutando en los pontificados siguientes. Responsable de muchos de los monumentos romanos, Bernini dio a la ciudad eterna su fisonomía moderna.

Bernini se afirmó sobre todo como el creador del barroco por su arte en armonizar grandes conjuntos decorativos en los cuales la escultura tiende a integrarse en la arquitectura. Varias obras muestran su capacidad para integrar las formas, los volúmenes y la luz: En 1624, el monumental Baldaquino de San Pedro , sobre la tumba de san Pedro; en el mismo edificio, trabajó también en la decoración de la nave y desarrolló, ante la basílica, la columnata de cuatro columnas dóricas de fondo (1656-1665), cuyos dos extremos “abrazan” la Plaza también por él diseñada, expresando el abrazo que la Igleia hace sobre sus fieles. Más tarde, construyó la «Scala Regia» del Vaticano (1663-1666), escalera monumental que resume su dominio de la escenificación ilusionista (juego de perspectivas y efectos ópticos). El gusto de Bernini por la escenografía se puede apreciar también en los conjuntos que de fuentes y edificaciones creó en la ciudad: la del palacio Barberini ( La fuente del Tritón) y en la plaza Navona ( La fuente de los cuatro ríos , c. 1650).

 

Como conjunto eclesiástico, construyó en 1658 la iglesia de los novicios jesuitas, San Andrés del Quirinal , de planta oval con un pronaos curvilíneo y una fachada de frontones sobre pilastras. En ella se desarrolla una mezcla propia del autor entre las formas clásicas y las aportaciones más dinámicas del Barroco: curvas y contracurvas, óvalos y elipses junto a columnas y frontones clásicos.

Como escultor, tras las composiciones Apolo y Dafne y El rapto de Proserpina (mármol, 1620-1625, Villa Borghese), prototipos del expresionismo, de la composición helicoidal, de la perfección formal o de la complejidad de la escenografía. Bernini también realizó una serie de tumbas de líneas poderosas y ondulantes, de impresionante elocuencia, como la de Urbano VIII (1628-1647) y la de Alejandro VII ( c. 1675). Aunque, sin duda, su obra más espectacular fue el Éxtasis de Santa Teresa para la capilla Cornaro de Santa María della Vittoria (1645-1652), que muestra a la santa en una intensidad mística nunca antes reflejada a la vez dota al conjunto de un fortísimo expresionismo utilizando los efectos arquitectónicos.

En 1665, atendiendo a los ruegos de Luis XIV y de Colbert, Bernini abandonó Roma por primera y única vez en su vida y se instaló en París. Sus proyectos fueron sumamente criticados y abandonó el país, ya anciano. Murió en Roma en 1680.

Berruguete, Pedro

Pintor renacentista castellano. Nació hacia el 1450 en el pueblo palentino de Paredes de Nava y murió en 1450 en el mismo lugar.

Sus primera formación la realizó en Castilla, pasando posteriormente a los Países Bajos y a Italia, donde participo en la decoración del palacio del Duque de Urbino al pintar alegorías de las artes liberales.

Regresó a España en 1483 realizando algunas pinturas en la Catedral de Toledo, en la Cartuja de Miraflores, en el Convento de Santo Tomás de Ávila y en la Catedral de esta ciudad pintó el retablo mayor de la misma.

En su estilo hay que distinguir dos etapas bien diferenciadas, la italiana y la española. Durante su permanencia en Italia su estilo se caracterizó por la preocupación por representar el espacio, buscando representaciones armónicas y bellas; pero aquí también ejerció una cierta influencia su formación en los Países Bajos, pues sus pinturas italianas el gusto por la representación minuciosa de la realidad, dominio del dibujo y del empleo del óleo.

Berruguete, Alonso

Pintor y escultor renacentista. Al igual que su padre Pedro Berruguete nació en Paredes de Nava en la Provincia de Palencia en 1488 muriendo en 1561.

Se formó junto a su padre, marchando posteriormente a Florencia donde trabajaría junto a Miguel Ángel. Regresó a España por 1520 y en 1523 fue nombrado pintor y escultor de la corte.

Sus obras más destacadas son la Sillería del Coro de la Catedral de Toledo, el Retablo de Mejorada de Olmedo, el de San Benito de Valladolid y el Sepulcro del Cardenal Tavera en el Hospital de Afuera de Toledo .

Su estilo se caracteriza por la expresividad de sus personajes, tanto en rostros como en movimiento, y por el realismo de los mismos.

Boccioni, Umberto

Pintor, escultor y teórico italiano (Reggio di Calabria 1882-Verona 1916).

Representa el más claro ejemplo junto a Giacomo Balla del movimiento futurista. Coautor y autor de varios manifiestos, rechaza las expresiones tradicionales del arte clásico, apuesta por la ruptura y por lo moderno en lo social y en el arte. Así rompió con la perspectiva tradicional y la forma tridimensional tras conocer el cubismo y optó por nuevos temas y planteamientos inspirados en el Art and Crafts. Destacan en pintura Nueva York y en su escultura Formas únicas de la continuidad en el espacio.

Borromini

Francesco Castelli, llamado Borromini. A rquitecto italiano perteneciente al periodo Barroco (Bissone, Lombardía 1599-Roma 1667). Siempre estuvo a la sombra de Bernini puesto que la mayoría de sus encargos en Roma fueron para clientes menores al tener un estilo profundamente complejo que no fue apreciado en la época. Llegó a Roma como alumno de Maderno para las obras de ampliación y fachada de San Pedro. Profundo estudioso de las tensiones y los soportes, su estilo acabó encarnando la esencia de la arquitectura barroca: las formas contrapuestas, las geometrías complejas, las iluminaciones indirectas, los puntos de vista forzados; en general, una aruitectura que superaba ampliamente las formas clasicistas.

Sus principales obras fueron pequeños edificios a los que les sacó un enorme partido compositivo. La iglesia de San Carlo alle quattro fontane (1634, fachada 1665); el oratorio de San Felipe Neri (1638), claustros y una biblioteca para los filipenses y para los jesuitas el palacio De propaganda fide (1662). Para el colegio de la Sapiencia edificó la iglesia San Ivo (1642), donde planteó un modelo de fachada y cúpula relacionadas luego muy repetido y en 1653 se le encargó la iglesia de Santa Inés en la Plaza Navona . La competencia entre los dos grandes maestros; Borromini y Bernini se hizo patente entre esta construcción y en la cercana fuente de los cuatro ríos.

Bosco, EL

Pintor holandés (1.450-1.516). Autor cuya obra refleja un acentuado carácter apocalíptico, se adelanta a su tiempo, aunque también se encuentra impregnado del universo medieval de las farsas, las brujas y las extravagancias, del que extrae el pintor su fuerza expresionista.

Es el artista más original de todo este tiempo y uno de los más extraños de la pintura universal. Sigue con el detallismo flamenco, no posee influencias de Italia, a pesar de su cronología, y su temática esta en relación con el humanismo coetáneo de Erasmo de Rótterdam. Su obra despertó mucho interés en Felipe II y de él proceden los cuadros presentes en el museo del Prado.

Su obra más fantástica y original es El jardín de las delicias . Un tríptico que debió de ser pintado sobre 1.503. Obra enigmática cuyo interior y exterior se complementan. Cuenta con una rica simbología sobre la que existen estudios contradictorios sobre su significado. Para unos tiene un contenido hedonista, donde la libertad sexual se considera como una vía para la salvación de las almas; para otros, por el contrario, consideran la obra como una sátira de los pecados y desvaríos de los seres humanos que convierten a éstos en bestias.

 

Otras obras importantes de este autor y que también se encuentran en el Prado son : La mesa de los pecados capitales . El centro lo preside el ojo de Dios que todo lo ve y alrededor de los símbolos de los siete pecados capitales. En los ángulos aparecen representaciones de las postrimerías de la vida: muerte, juicio, infierno y gloria. Se fecha hacia 1.480.

El carro de heno o El camino de la vida . Es un tríptico donde se encuentra el camino de la vida plagado de peligros y tentaciones a cual más atrayentes. Se cree pintado hacia 1.500. El carro de heno simboliza la vida en movimiento que no se detiene y recorre el camino del nacimiento a la muerte. Se relaciona con un proverbio flamenco: “El mundo es un montón de heno del que cada cual obtiene lo que puede”.

Boticelli,Sandro

Sandro Filipepi, llamado Botticelli. Pintor italiano, de la segunda mitad del Quattrocento (Florencia 1445-Florencia 1510). Trabajó en Roma (1481-1482) en tres frescos de la capilla Sixtina; pero fue en Florencia donde se desarrolló casi íntegramente su carrera, favorecida por los Médicis.

Discípulo de Filippo Lippi, recogió también las influencias de la melodiosa acentuación de los contornos de la pintura de Verrocchio, de la tensión de P. Pollaiolo y de las formas ondulantes del escultor Agostino di Duccio.

Para los Medici pintó hacia 1478 La primavera y después El nacimiento de Venus. Estas obras destacan por el dominio de la línea, las composiciones planas, el detallismo en las formas y colores y la escasa tensión dramática en los personajes.

Pintor de encargo realizó numerosos encargos para cofradías, iglesias y particulares como, por ejemplo, la Historia de Judith, la Adoración de los magos o la Madona del Magnificat , de 1485. Sus últimas obras acusan un expresionismo trágico o un aliento visionario reflejo de la crisis moral ocasionada por la predicación de Savonarola ( Piedad , 1498).

Bóveda Obra de fábrica que describe un arco de círculo y sirve para cubrir espacios comprendidos entre muros o pilares.

Bóveda de arista: Es la formada por la intersección, en ángulo reto, de dos bóvedas de cañón, resultando del encuentro cuatro aristas iguales.

Bóveda de cañón: Es la generada por el desplazamiento de un arco de medio punto a lo largo de un eje longitudinal.

Bóveda de crucería: Es la que refuerza sus aristas con nervios. Dentro de ella varios tipos, que de menor a mayor complejidad serían: crucería simple, sexpartita, de terceletes, estrellada...

Bóveda de cuarto de esfera: Es la que consta de un cuarto de esfera y, por lo general, cubre el espacio del ábside semicircular.

Bóveda de crucería califal: Es aquella bóveda cuyos nervios al entrecruzarse, no pasan por la clave.

Bóveda estrellada: Es aquella bóveda de crucería cuya plementería presenta n entrecruzamiento de nervios, baquetones...

Bramante

Arquitecto italiano, máximo exponente del clasicismo renacentista (Urbino 1444-Roma 1514).

Sus primeros pasos como artista se desarrollan como pintor en la Lombardía y Milán. Es aquí donde demuestra sus potencialidades como arquitecto en el baptisterio poligonal de Santa María presso San Satiro. Aunque todavía muy apegado a las formas y estructuras tardogóticas desarrolla el proyecto de la fachada inspirado en las ideas de Alberti.

En la segunda etapa de su carrera, en Roma (1499), se convirtió en el maestro del Renacimiento clásico, apasionado por la organización de los volúmenes y los contrastes de luz. Destaca su profunda convicción clásica, respetando las alternancias geométricas y los ritmos matemáticos entre las partes del edificio. Utiliza en sus edificios toda la gama de elementos constructivos clásicos desde los órdenes a las cúpulas semiesféricas.

Destacan entre sus realizaciones el pequeño templo redondo de San Pietro in Montorio , encargado por Carlos I para ser colocado sobre el lugar del martirio de San Pedro y los proyectos de ampliación y renovación del Vaticano , encargados por Julio II, optando aquí por el desarrollo de una planta centralizada rematada por una cúpla gigante y por cupulillas laterales que contrarrestarían su peso. El proyecto fue posteroremnte muy variado por autores como Rafael, Andrea da Sangallo y Miguel Ángel Buonarotti.

Braque

Pintor francés (Argenteuil 1882-París 1963), creador junto a Picasso del estilo cubista dentro de las vanguardias del siglo XX.

Iniciado en las vanguardias dentro del fauvismo, descubrió el paisajismo de Cézanne que le marcó grandemente. Pero será el encuentro con Picasso a fines de 1907 lo que le lleve al cubismo, que desarrolló totalmente, creando composiciones donde el objeto es el pretexto para una composición plástica de ritmos armoniosos, sensual en la materia y cuidadosa en el color. Ambos desarrollan toda las posibilidades del cubismo, a través del periodo sintético y del periodo analítico. Hacia 1912 comenzó a introducir en sus composiciones diferentes materiales, como los collages e imitaciones del mármol y la madera.

Se han de destacar Formas musicales (1913), sus famosas Naturalezas muertas y Canéphores (1923-1926).

Brunelleschi, Filippo

Arquitecto y escultor italiano (Florencia 1377-Florencia 1446), creador, sin duda, de la arquitectura renacentista tanto en el plano teórico como en sus realizaciones prácticas.

Inicialmente aprendiz de orfebre y escultor, participó con un relieve lleno de energía en el famoso concurso de 1402 para realizar la puerta del baptisterio de Florencia, que sería finalmente ejecutada por Ghiberti. A pesar de ser derrotado mostró en su obra aspectos que luego profundizarán escultores como Donatello. Destacan la nueva forma de enfocar el espacio escultórico y el tratamiento de las figuras.

Marchó a trabajar a Roma, donde estudió las ruinas antiguas. De regreso en Florencia, levantó el pórtico del Hospital de los Inocentes de acuerdo con el principio del trazado modular y las relaciones matemáticas. Fue el primer edificio «renacentista» de la ciudad (1419). Pero, su principal obra es la cúpula de Santa Maria del Fiore (1420-1436), il Duomo o catedral de Florencia. Es la mayor obra de ingeniería del siglo y supuso la superación tanto de las formas góticas como de la forma de construcción medieval. Para su realización el mismo Brunelleschi diseñó grúas y máquinas absolutamente novedosas. Para cubrir 41 m de luz desarrolló el sistema de doble casco de la cúpula, una apuntada exterior con nervaduras y una semiesférica interior soportada por la primera.

El ritmo matemático, el uso de las formas geométricas puras y una organización interna muy clara caracterizan sus edificios : las iglesias de tipo basilical de San Lorenzo (1420) y del Espíritu Santo (proyecto de 1436) o la capilla de los Pazzi en la iglesia de la Santa Croce (1429).

En sus diez últimos años de vida le llegaron encargos desde Mantua, Milán, Pisa y Florencia, para palacios, iglesias y fortalezas que ejecutaron sus discípulos, entre los que destacan Michelozzo y Alberti.

Bulto redondo Se aplica en escultura a las figuras ejecutadas en tres dimensiones y aisladas en el espacio, de manera que se puedan contemplar desde cualquier punto de vista a su alrededor.

Buonarotti, Miguel Angel

Michelangelo Buonarotti, más conocido como Miguel Ángel; nació en Caprese de Arezzo en 1475 y murió en Roma en 1564. Escultor, pintor, arquitecto, orfebre, representa el modelo de humanista del Renacimiento pero también tuvo un carácter excéntrico y duro que le granjeó muchos enemigos y un sinfín de problemas. Aprendiz de Ghirlandaio y de Bertoldo, consiguió en estos talleres conocer las destrezas básicas de su profesión. Destacado por sus maestros fue apadrinado por Lorenzo de Medicis, que lo introdujo en su familia y en el entorno humanista que existía en Florencia.

Viajó para consolidar su formación clásica y su técnica hasta que recaló en Roma donde entró a trabajar para los Papas. Julio II fue su principal mecenas y los proyectos porél encargados engrandecieron la figura del artista.

Su inicial perfección técnica y compositiva, basada en una belleza idealizada de las figuras y en una equilibrada proporción fue dando paso a un a nueva visión de la figura humana y su relación con el entorno que crean el Manierismo. Mayor intensidad en las figuras; mas fuerza vital y expresividad; la intención de dotarles de vida y movimiento o la búsqueda de otras formas de expresión del ser interior van a caracterizar su periodo adulto como artista.

De joven destacan la Piedad del Vaticano con una Virgen idealizada de extremada belleza; el David , realizado en 1504 para la Comuna de Florencia, donde plasma los valores del hombre renacentista y de la república florentina además de hacer un despliegue técnico y de destreza como escultor y tallista.

Su llegada a Roma corresponde con el encargo del fastuoso proyecto de la tumba de Julio II pensada para ser colocada en el crucero de la basílica de San Pedro. Inacabada, tan sólo quedan una Victoria, varios esclavos y un impresionante Moisés situado en la Iglesia de San Pietro in Vincoli . Ante los constantes retrasos de este proyecto, Julio II le encarga la realización de los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina . Miguel Angel los acomete realizando una de las obras más importantes de la historia del arte. La Capilla está decorada por los grandes maestros del Quattrocento y la bóveda debía competir en gracia y esplendor. Entre 1508 y 1512 desarrolla un programa basado en la Creación en la zona central de la bóveda y un acompañamiento de sibilas y profetas en los cuarterones laterales que refuerzan el conjunto compositivo. La fuerza de la obra está en el tratamiento de las figuras y las escenas, en las perspectivas novedosas que aporta y en la gama cromática que plantea en toda la obra. El conjunto de la capilla quedará rematado por la realización por el mismo autor del panel posterior al altar con una gigantesca escena del Juicio Final (1536-1541), donde se expresa la visión manierista, atormentada y exaltada del autor. Toda la composición gira alrededor de un Cristo juez y terrible. Los cuerpos giran, se retuercen y se superponen en posiciones casi imposibles. Los colores son menos vivos que en la bóveda, más oscuros y de gamas más frías y azules.

De regreso a Florencia, trabajó allí de forma intermitente hasta 1534, y realizó varias obras fundamentales en su carrera: la tumba de los Medicis en la sacristía de la Iglesia de san Lorenzo y la Biblioteca Laurenciana . Las figuras del día y la noche, el crepúsculo y la aurora suponen un paso más en su búsqueda de la expresión artística de sus pasiones interiores, mientras que la Biblioteca y, sobre todo, su escalera abren la puerta a algunas de las innovaciones y propuestas constructivas del Barroco.

En Roma, mientras pinta el Juicio Final le encargan al remodelación de la Plaza del Capitolio y, junto a Sangallo, diseña el Palacio Farnesio . Pero su obra cumbre es el encargo desde 1547 de las obras de construcción de la basílica de San Pedro .

Altera y modifica el proyecto del Bramante convirtiendo la planta de cruz griega en una planta de cruz latina, reforzando los pilares centrales del edificio que habrán de sostener la futura cúpula. Grandiosidad y clasicismo son las características esenciales del diseño interior y exterior. La cúpula demuestra su genio y su carácter innovador. Los tamaños –102 mts. de altura y 43 de diámetro- no tenían igual en la historia de la arquitectura pero su tambor decorado con columnas pareadas y arquitrabes rotos demuestran que Miguel Angel estaba en permanente innovación.

Anciano y ciego, siguió trabajando hasta su muerte en Roma en 1564.